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Es gibt vielleicht noch Menschen, die noch nie etwas von diesen drei Kultbüchern des Autors Stieg Larsson gehört haben, – wer dazu gehört, aber auch alle Fans der Bücher sollten schnell ins Kino gehen, denn mit „Verblendung“ wurde jetzt das erste Buch, – nach der schwedischen Verfilmung, von David Fincher für den internationalen Markt mit bekannten Gesichtern und viel Geld neu verfilmt.

Der Plot spannt sich trotz seiner über zweieinhalb Stunden Länge straff über die Leinwand und wirkt dabei wie ein Stück Haut, dass dem Buch abgezogen und diesem Film übergeben worden ist, – das Drehbuch passt perfekt und vermag bis zum Schluss zu fesseln. Allein der Beginn des Films ist ein Film in sich. Aus ineinander fließenden Strömen von flüssigem Teer und geschmolzenem Metall formen sich die Skulpturen der beiden Hauptdarsteller. Ob es eine Verschmelzung, ein Liebesakt oder eine grausame Auflösung in einer giftigen Flüssigkeit ist wird dabei offen gelassen. In ihrer präzisen Komposition und unglaublichen Ästhetik erinnern die in metallisch-schwarzer Farbpalette gehaltenen Anfangseinstellungen an die tragenden Elemente des folgenden Films. Beide Hauptfiguren, der Journalist und die junge Punkerin, haben eine Leidenschaft und besondere Spezialität, – das Enthüllen. Und dabei ist es nur logisch, dass beide sich letztendlich auch selbst enthüllen, wie der Vorspann zeigt und in der Offenlegung ihrer Körper und Seelen auch viel Gefahr und Angst verborgen liegt.

Dieser metaphorische Bilderreigen ist ein genialer Einspann zum folgenden Film, dessen Geschichte als mittlerweile bekannt  beim Zuseher vorausgesetzt werden darf. Dennoch gelingt es dem Regisseur David Fincher die Geschichte von Hass und Rache, Jägern und Gejagten, dunklen Geheimnissen und letztendlich von Gut und Böse neu zu erzählen, wobei die Grenzen schwimmend und verfließend sind wie die ersten Sekunden des Films schon andeuten. Für alle die, welche die Geschichte dennoch nicht kennen, – „Verblendung“ handelt vom Journalisten Mikael Blomkvist, der gerade um seinen Ruf bangt und seine Reputation als aufklärerischer Journalist wegen mangelnder Beweisführung vor Gericht verloren hat. In dieser schwierigen Zeit wird er von einem steinreichen Industriellen angeheuert, um das Geheimnis seiner vor zwanzig Jahren spurlos verschwundenen Enkelin aufzuklären. Blomkvist nimmt an, zum einen wegen dem Geld, aber auch, weil der Auftraggeber Beweismaterial verspricht, mit dem er sich als Journalist wieder rehabilitieren könnte. Bei der Aufklärung des Falles steht ihm die blutjunge, rebellische Hackerin Lisbeth Salander zur Seite, die Rache nehmen möchte an all dem Bösen in der Welt, insbesondere, wenn dies männlich ist. Beide entdecken hinter dem Verschwinden der Enkelin die blutrote Spur eines Serienkillers, dessen grausame Taten bis in die Gegenwart der Industriellenfamilie zu reichen scheint. Diese Spur zu enthüllen und das Geheimnis zu lüften, schweißt beide Hauptfiguren zusammen bis zum brutalen Ende.

Die eigentliche Story aber in dieser Geschichte ist die Welt rund um Lisbeth Salander, mit deren Entwicklung dem Autor Stieg Larsson eine Kultfigur gelungen ist. Lisbeth Salander hat trotz ihrer noch so jungen Jahren Furchtbares erleben müssen, eine missbrauchte Kinderseele, die mit aller Härte in diesem zarten Körper um ihr Recht auf Leben, Liebe und Selbstbestimmung kämpft. Gepierct, mit einem Drachen tätowiert, hochintelligent, Einzelgängerin, verschlossen, fotographisches Gedächtnis, Computergenie, vergewaltigt, verletzlich und skrupellos, ist sie eine Art Cyper-Rächerin aller Frauen, die als Opfer von Gewalt und Missbrauch Böses mit Bösem vergilt. Das Thema der „Rache“ zieht sich bei „Verblendung“ als roter Faden durch den Film, durch das Leben von Lisbeth Salander und auch durch die Werke von David Fincher. Getragen von einem guten Schauspielerensemble ragen Daniel Craig, der seinen Journalisten souverän anlegt und in dieser Figur weitaus besser gefällt als in vielen anderen, 007 geprägten Filmen, und die noch relativ unbekannte Ronney Mara heraus, die es schafft der facettenreichen Romanfigur ein Gesicht zu verleihen, welches zugleich aus mehreren Gesichtern zu bestehen scheint. Mara vermag die vielen Seiten der Lisbeth Salander zu verkörpern, ohne dabei verschiedene Klischees zu bedienen oder von zart auf hart zu springen. Sie legt ihre Figur weitaus stiller, verschlossener und subtiler an als die in der schwedischen Kinoversion von Noomi Rapace gespielte Lisbeth, und macht sie dadurch zwar zerbrechlicher, aber auch dem Zuseher zugänglicher. Trotz ihrer gezeigten Härte und kühlen Verschlossenheit wirkt sie als Figur, als Frau, Mädchen, Mensch weitaus interessanter und Maras Lisbeth ist in ihrer Stummheit schillernd und unberechenbar zugleich. Die kaltblütige Klarheit in ihren Taten steht in eklatantem Widerspruch zu Lisbeths fragilem Äußeren, dem Punkstil und den vielen Piercings im Gesicht, – sie wirkt wie ein verlorener Racheengel mit grazilem Audrey-Hepburn Körper und scheuem Ausdruck in den Augen, die gar nicht zu solch einer Brutalität fähig ist, die sie dann im Zuge ihrer Rache an jenen Menschen zeigt, die ihr Böses angetan haben. Neben den zwei Hauptcharakteren ist der ewige Winter, – die klirrende Kälte, das blendende Weiß des Schnees die dritte Hauptfigur in diesem Film und für alle Zuseher wird die Kälte, das Eis durch die wunderschönen Landschaftsaufnahmen und Nahaufnahmen frierender Gesichter spürbar.

„Verblendung“ ist ein Kunstwerk der ganz eigenen, besonderen Art und Finchers Talent für protokollarisches, aber geschmeidiges Erzählen kommt hier besonders gut zum Tragen, untermalt von düsteren Bildern und pulsierenden Gitarrenriffs eines alten Led-Zeppelin Songs. Ein Film, ganz im Zeichen vom Eleganz und Stil gehalten, von Klarheit und bildnerischer Schönheit, der eine seltsame Kombination von klassischem Journalismus zeigt, der sich mit der androgynen Figur des Internets einlässt und sie zur Komplizin macht. Auf der Suche nach dem Mörder treffen Printschreiber und die Generation der Blogger und Twitterer zusammen und reichen sich die Hände im Namen einer höheren Gerechtigkeit. Und das macht den Reiz dieses Filmes zusätzlich noch aus, denn von den gut zweieinhalb Stunden des Films spielt ein Drittel in Bibliotheken, Archiven, Redaktionen, an Schreibtischen und Aktenregalen, zeigt aber auch die Arbeit am PC und das Hacken und Beschaffen von geheimen Daten. Neben vielen gelungenen Details wie den in erlesenen Sepiafarben gehaltenen, gezeigten Bildern der sechziger Jahre, die in Rückblenden das damalig Geschehene erzählen oder der abgeschiedenen Einsamkeit und den verlorenen Raumfluchten des Anwesens auf der Privatinsel, ist die Verbindung von klassischer Recherche und modernen Methoden der vielleicht schönste Zug dieser Verfilmung. Und die  Bilder, welche Lisbeth und Blomkvist in Archiven und alten Fotoalben entdecken, fließen wie entfesselt über die Leinwand, als hätte die digitale Verwandlung sie erst richtig zum Leben erweckt und zur Erscheinung gebracht.

Eine immer wieder gestellte, langsam schon müßige Frage zum Schluss, – warum eine Neuverfilmung der schwedischen Version von „Verblendung“? Dies kann man ganz einfach und klar beantworten, – verschiedene Menschen interpretieren ein Buch anders und lassen sich auf andere Art und Weise von einer faszinierenden Geschichte inspirieren, – die Tatsache, dass es bereits einen Film gibt, ist kein Argument dagegen und von einem „Original“ braucht man daher auch nicht bei der europäischen Version zu sprechen. Möge dieses Buch, – diese Trilogie, die Figuren darin, der schwarze, tätowierte Racheengel noch viele Filmschaffende und Künstler inspirieren, – denn das ist schließlich das Größte, was Kunst vermag, – wenn es so genial beschaffen ist, dass es andere, eigenständige Künstler zu einer neuen Interpretation verführt und motiviert. Und wenn es so gelungen ist wie bei David Finchers „Verblendung“ kann man nur hoffen, dass auch die zwei anderen Teile in ähnlicher Qualität auf die Leinwand gebannt werden wie dies hier geschehen ist.

ist ein Film, der einen stellenweise tatsächlich den Atem raubt, der den europäischen Filmpreis gewann, der einen Blick in eine verletzte Seele wagt, ein Regieerstling, der mit einem bis dahin vollkommen unbekannten Darsteller gedreht wurde, – „Atmen“ ist eine Überraschung, ein Augenblicksfilm, der jene feine, psychologische Klinge besitzt, die große, österreichische Künstler so unterschiedlich sie auch sein mögen von Schnitzler bis Kubin immer schon ausgezeichnet hat.

Und dabei besitzt der Regisseur Karl Markovics soviel Feingefühl und Sensibilität in der Inszenierung, als hätte er als Jugendlicher selbst all das erlebt, was seinem Protagonisten zugestoßen ist. Die Geschichte ist alles andere als leichte Kost, mutet dem Betrachter trotz der einfachen und schlichten Erzählweise viel zu. Der Zuseher erhält Einblicke in ein Leben, wo nichts so lief wie man es sich für ein Kind wünschen würde. Statt finanzieller Sicherheit, emotionaler Hingabe und liebevollen Eltern, – wurde die Hauptfigur als Kind von einer völlig überforderten Mutter weggeben, kam ins Heim, wurde zum verschlossenen Einzelgänger, der seine Gewaltausbrüche nicht kontrollieren konnte und im Affekt einen Gleichaltrigen so schwer verletzte, dass dieser im Krankenhaus verstarb. Bittere Endstation, – Jugendknast. Jetzt ist Roman Kogler 19 Jahre, schon ganz in einem trostlosen, geregelten Gefängnisalltag integriert, nach außen allem gegenüber gleichgültig und nicht einmal die anstehende Haftprüfung, die ihn in die Freiheit entlassen könnte, scheint ihm viel auszumachen. Den Blick hinter die wortkarge Fassade eines Menschen, Jugendlichen zu wagen, der schon zuviel erlebt und gesehen hat für sein Alter und die darin verborgenen Gefühle, Zweifel und Sehnsüchte freizulegen, – dies ist das filmische Wunder, welches dieser Film vollbringt. Dies gelingt ihm über das Zeigen kleiner Details und Momentaufnahmen, die ein wenig an die Dokumentationen von Elisabeth Spira erinnern, die sich in Österreich mit ihren schonungslosen Darstellungen sozialer Lebensumstände einen Namen gemacht hat.

Dieser Film ist jedoch weit persönlicher als jede Dokumentation und je mehr die Figur sich und seiner Geschichte öffnet, desto mehr fühlt der Zuseher mit. Mit viel Fingerspitzengefühl hängt sich die Kamera an die Fersen der Hauptfigur. Man folgt ihm bei seiner Suche nach seiner Mutter, man nimmt Anteil am Alltag im Bestattungsunternehmen, wo Roman schließlich nicht nur einen Job, sondern auch so etwas wie Freunde findet. In verschiedenen Orten wird die filmische Welt etabliert und irgendwann ist man nicht nur teilnahmsloser Beobachter, sondern wird Begleiter und Freund. Wobei die Wahl mit Thomas Schubert als Darsteller des Roman Koglers eine mehr als glückliche war, denn dieser stellt ihn mit viel Energie, gebrochener Einsamkeit und subtiler Kraft dar. Ihm gelingt es zu zeigen wie schwer der Weg ist von einem Häftling zwischen Gefängnis und Bestattungsunternehmen auch als Mensch wahrgenommen zu werden und sich selbst als wertvollen Menschen zu begreifen. Ebenfalls sehr überzeugend ist die Darbietung von Georg Friedrich als Bestatter, der zwischen reinem Zynismus und berührendem Respekt gegenüber den Toten schwankt. Stark auch jener Moment, wo sich die Hauptfigur auf das Grab des getöteten Jugendlichen beugt und sich zum ersten Mal mit seiner Tat auseinander setzt. Schuld und Vergebung, sowie die Chance auf einen Neuanfang werden im Schlussbild gezeigt und runden einen sehr ehrlichen und packenden Film ab.

Karl Markovics zeigt, wie wunderbar österreichisches Kino ist und sein kann, – er wollte keinen Film, der sich an amerikanischen Actionfilmen misst, mit Slasher – und Horrorelementen kokettiert oder die Seele des Landes verleugnet, wo er gedreht worden ist, – Atmen zeigt, was den österreichischen Film ausmachen kann, wenn er in die richtigen und fähigen Hände von Menschen gelegt wird, – es entsteht ein Film, der langsam ist, sensibel, der in die Tiefe geht, wenig Hoffnung besitzt und nur sehr zaghaft, fast ungläubig in eine ungewisse Zukunft blickt, – der Tod ist dabei ständiger Begleiter, Leben und Tod der ewige Kreislauf, nur mit dem Unterschied, dass diesmal der Tod zurück ins Leben verhilft, – was berührend, traurig und wunderschön ist.

Was also ist die Zeit? – Quid est ergo tempus? – Diese Frage hat schon Kirchenvater Augustins gestellt und seit Anbeginn der Menschheit ist dies eine der grundlegendsten Fragen rund um die menschliche Existenz. Antworten darauf wurden immer wieder gegeben, – und jetzt versucht es der Film „In Time“ vom Regisseur Andrew Niccol. Die Frage nach der Zeit wird in diesem Film jedoch nicht philosophisch beantwortet, sondern sehr direkt und gnadenlos, – Zeit ist Geld und damit die neue Währung, die gilt. Und wie auch in der jetzigen Realität besitzen in diesem düsteren Zukunftsszenario einige wenige Menschen Millionen Jahre, während den meisten Bewohnern nur wenige Tage verbleiben. Aufgrund einer genetischen Revolution hören die Menschheit mit 25 zum Altern auf und es verbleibt ihnen dann noch genau ein Jahr Zeit. Zeit dazu gewinnen kann man nur durch Arbeit, durch das Stehlen der Zeit anderer, durch Mord oder auch durch Erbschaft. Schafft man es nicht nach diesem Jahr mehr Zeit zu erhalten, dann hört das Herz auf zu schlagen und man stirbt. Diese Grundidee ist spannend und wird auch deswegen viele Menschen in das Kino locken. Es ist ein Thriller, wo die Protagonisten immer in Lebensgefahr schweben. Die Uhr am Unterarm zeigt die verbleibende Lebenszeit an und dies führt zu einem ständigen Gefühl der Bedrohung, – vor allem, wenn die Figur nur mehr Sekunden zum Überleben hat. Solch eine intensive Idee wurde schon lange nicht mehr im Kino gezeigt und Andrew Nicool ist nicht nur für die Regie verantwortlich, sondern auch für das Drehbuch. Zwar gibt es Parallelen zu „Logans Run“ mit Sir Peter Ustinov, aber Inspiration darf man sich durchaus von vergangenen Filmen holen. Die Idee an sich ist allerdings nicht so neu, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag.

Niccols zeigt in diesem Film eine karge, kalte, graublaue Welt, eine reizentleerte, der alle Farben, alles Leben eigentlich entnommen wurde. Dies wird nicht nur in den staubigen Armenvierteln deutlich, sondern später dann auch in den reichen Distrikten, die in ihrer Kälte und Anonymität einer Geisterstadt gleichen. Alles läuft letztlich auf das neongrüne Schimmern des Countdowns auf dem Unterarm hinaus, nur die darauf verrinnenden Jahre, Tage oder nur Sekunden zählen, – alles und jeder fixiert sich auf die Zeit, die noch bleibt. Die Parallelen zwischen dem Gebrauch von Zeit bei „In Time“ und von Geld in der Realität sind erdrückend. Fast als würde der eigene Kontostand auf dem Unterarm tätowiert sein und man genau sieht wie viel Geld dem einen noch verbleiben, während der andere ein kleines Vermögen mit sich herumträgt. Diese Grundidee, die handwerklich großartige und stylische Arbeit des Kameramannes, die ästethischen Bilder und der Spannungsbogen der handelnden Figuren hätten ausgereicht um „In Time“ zu einem großen Film werden zu lassen. Warum dies nicht funktioniert hat, ist wohl letztendlich dem System Hollywood zu verdanken. Denn auch hier zählt nicht die Genialität eines Films, sondern die Einspielergebnisse und irgendwie hatte man das Gefühl, dass der Regisseur unbedingt einen Erfolg landen musste. Darum auch die Wahl der Schauspieler, denn ein Justin Timerlake, der trotz Muskeln und Schauspieltraining so wenig in eine arme, harte Realität passt wie seine Mitspielerin Amanda Seyfried, die dem aktuellen Magerwahn angepasst wie eine leicht verhungerte Barbie wirkt, die eine Flucht aus ihrem verwöhnten Leben sucht und auf der Suche nach neuen Drogen sich dem Thrill des Überlebens hingibt, bedienen deutlich ein sehr junges Mainstream Publikum. Diese Jungdarstelleriege kann die Tiefe und Ernsthaftigkeit der Thematik nicht vermitteln und vermag es auch nicht die seelische Entleertheit der Gesellschaft wiederzuspiegeln. Ähnlich wie Bonnie und Clyde beginnen die Beiden Banken auszurauben und Zeit zu verteilen, lieben und verlassen sich und wirken dabei wie zwei von MTV gecastete Schauspieler, die vor allem ein junges Publikum ansprechen wollen.

Dem großen SciFi-Thriller mit der innovativ-brillanten Idee des letzten Jahres, Christopher Nolans „Inception“, kann dieser Film nicht das Wasser reichen, erreicht auch bei weitem nicht dessen große Komplexität und schafft auch keine erklärenden Ebenen. Denn „In Time“ erklärt im Grunde gar nichts, – verwechselt Interpretationsspielraum zu oft mit inhaltlicher Leere und strapaziert politische Metaphern fast bis zur Unerträglichkeit. So schön „In Time“ anzusehen ist, so dringen die Idee nicht weit bis unter die Oberfläche. Einzig der Zeitpolizist Cillian Murphy schafft es in wenigen Momenten jene düstere Beklemmung darzustellen, in die alle Menschen in diesem Film gefangen sind und vermag auch zu vermitteln, dass er eine weitaus ältere Seele besitzt als sein jugendliches Aussehen vermuten lässt. Das bizarre Detail am Rande von „In Time“ ist die alterslose Gesellschaft, wo alle wie 25 aussehen, Mütter von ihren Töchtern nicht zu verwechseln sind und Männer keinerlei Falten mehr besitzen. Jeder kann sich fragen, ob so die Gesellschaft der Zukunft aussehen sollte.

Die verrinnende Lebenszeit als digitales Leuchttattoo auf dem eigenen Unterarm bleibt auch nach dem Film prägend. Eines wird sehr deutlich, – wie wichtig und kostbar Zeit ist. Und die eigene Lebenszeit jedes Menschen ist die eigentliche Währung des Glücks, – dessen sollte man sich bewusst werden. Eines hat „In Time“ auf alle Fälle erreicht, – es ist ein Film, der Lust aufs Leben, auf den erlebbaren, wunderschönen Moment macht und allein deswegen auch danach noch eine intensive Wirkung besitzt.

Eine dunkle Begierde widmet sich nicht nur dem Genre des Psycho – und Historiendramas, sondern versucht auch den Vätern der modernen Psychoanalyse ein würdiges Denkmal zu setzen. Zudem zeigt dieser Film eine komplizierte Dreiecksbeziehung  und versucht in Psychoduellen die Hintergründe von Emotionen und deren Handlungen zu erklären. Alles irgendwo zuviel auf einmal, denn eine Dunkle Begierde zerbricht an den eigenen Erwartungen und bleibt als vertane Chance bei all den Möglichkeiten zurück.

Und Möglichkeiten gab es mehr als genug. Regisseur David Cronenberg hatte immer den Hang zu Filmstoffen, welche die Abgründe der menschlichen Psyche darstellten und scheut sich auch nicht davor zurück diese mit drastischen, radikalen Bildern zu zeigen. Ein Kinoästhet, der bei all der Liebe zu schönen Bildern immer auch viel Wert auf die Entwicklung einer Geschichte gelegt und diese mit charismatischen Persönlichkeiten  dargestellt hat.  Bei ihm schien dieser Stoff in den richtigen Händen zu sein. Als Vorlage für den Film diente das Theaterstück The Talking Cure des britischen Autors Christopher Hampton, das 2002 uraufgeführt wurde und zu einem der erfolgreichsten Theaterstücken zählt. Der authentische Stoff um Sigmund Freud und C. G. Jung, den beiden Vätern der Psychoanalyse, und die junge, russische Hysterikerin Sabina Spielrein bietet sich zudem wie geschaffen für einen großen Kinofilm an. Und mit den Schauspielern Viggo Mortensen, der bereits zwei Filme mit Cronenberg gedreht hat, dem noch jungen, aber hochtalentierten Michael Fassbender und der wunderschönen Keira Knightley stand auch noch eine hochkarätige Darstellerriege, die mit Vicent Cassel noch ergänzt wird, dem Regisseur zur Verfügung. Warum dies letztendlich alles nicht gereicht hat, um aus einem engagierten Projekt einen großartigen Film zu machen, hat sicher mehrere Gründe. Der Film scheitert zum einem an seinem mehr als fragwürdigen Anspruch auf Authentizität, noch gelingt es glaubwürdig die Probleme aus der Frühzeit der Psychoanalyse wiederzugeben. Am meisten verfehlt der Film die Wirkung genau bei der Dreiecksgeschichte zwischen Jung, seiner Frau und seiner Patienten, die ihm Geliebte und dann auch die große Liebe wird.

Vorallem Fans von David Cronenberg hatten sicher immer wieder das Gefühl im falschen Film zu sein. Die visuelle Darstellung seelischer Abgründe hat in diesem Film eindeutig gefehlt. Zwar sind die Dialoge wunderbar geschliffen, fein ausgeführt, aber allein die Sprache in verschieden wechselnden Ambiente hauchen diesem Film leider kein Leben ein. Zwar sind auch die Bilder schön fotografiert, aber es fehlen jene verstörenden Aufnahmen, wo man die seelische Pein, das verstörende Begehren der Hauptfiguren erkennen kann. Der ganze Film besaß leider die perfekte und allzu glatte Atmosphäre einer idyllischen Postkarte, – das immerwährend schöne Wetter nervte und schöne Menschen in schönen Kleidern in schöner Umgebung, die selbst mit größter Ästhetik und Zurückhaltung seelische Abgründe, psychische Zerrissenheit darstellten, vermittelten eine Oberfläche, die mit Dauer des Films den Zuseher immer mehr kalt ließ und nicht in die Geschichte miteinband. Was gänzlich vernachlässigt wurde, war die masochistische Neigung der Hauptfigur, die ja immerhin auch Gegenstand ihrer hysterischen Anfälle war und dem Zugeständnis ihres Geliebten doch nachzugeben und ihre devote Natur beim Sex zu befriedigen. Um zu zeigen wie wenig Zeit für die Darstellung sadomasochistischer Praktiken verwendet wurde, -  es gab im gesamten Film nur zwei Szenen, die die den Spannungsbogen zwischen Schmerz und Lust, Demütigung und Hingabe, Macht und Dominanz für wenige Sekunden zeigten sollten, – beide Szenen waren so mit dem Weichzeichner gemalt, dass man eigentlich gar nichts sah, – der Zuseher konnte nur erahnen, dass dies jetzt eine Sadomasoszene war. Vielleicht lag es auch am verunglückten Schnitt, – aber eine Bestrafungsszene zu zeigen und anschließend friedlich im Segelboot über den Zürichsee zu treiben mutet dann doch mehr seicht und oberflächlich an als dunkel und verstörend. Auch jener Schnitt, wo Jung doch wieder Kontakt zu seiner ehemaligen Patienten und Geliebten hatte und sich einverstanden erklärte mit ihr gemeinsam ihre Doktorarbeit zu bearbeiten und dies mit dem Satz unterstrich: „Gut, wir werden uns jede Woche treffen, aber es wird schwer die Distanz zu wahren“, – um gleich anschließend jene Szene zu zeigen, wo die immer ein wenig verhuscht wirkende Keira Knightley  etwas ulkig mit einem  Gürtel ans Bett gefesselt war um von ihrem Doktor ausgepeitscht zu werden, – da hatte man als Zuseher das Gefühl, dass wesentliche Szenen fehlten, – vor allem jene Momente, die gerade diese Emotionen erklären sollten und somit wirkte dies dann eher unfreiwillig komisch und fast schon unglaubwürdig. Auch hatte man als Zuseher das Gefühl, dass sich gerade die zwei Hauptdarsteller Knightley und Fassbender alles andere als wohl fühlten und mit Erotik und gegenseitiger Anziehung zueinander auch so gar nichts anzufangen wussten. Ein wenig wirkte Eine dunkle Begierde so, als wäre dem ganzen Film das Blut abhanden gekommen, – alles wirkte etwas steif, etwas sehr inszeniert und das Bild vom trockenen Gelehrtenpaar Freud/Jung wirkte auch nicht inspirierend und ließ beide als eher langweilige Figuren zurück.

Das Schlechteste an diesem ansonsten klug gemachten, analytischen und teilweise wunderschön bebilderten Film ist eben die Erotik, – denn diese will man sicher nicht so erleben wie dargestellt und von dunkel oder leidenschaftlich war hier nicht viel zu sehen, – aber vielleicht hat auch nur mein Überich mein Unbewusstes in der Wahrnehmung dieses Films blockiert.